Elvis, film incredibilmente bello ,senza compromessi, uno straordinario  biopic sul ragazzo di Memphis che vive di imperfezioni e di esagerazioni. 

Baz Luhrmann dipinge un ritratto affascinante e contradditorio di un'icona della musica mondiale, dando anche spazio ad un'analisi dell'industria musicale dell'epoca. Sia la scrittura che la regia vivono di sperimentalismo, di caos emotivo, trasmettendo agli spettatori un eccesso difficilmente spiegabile a parole. Il tutto diventa concreto grazie all'incredibile interpretazione di Austin Butler, a suo agio nei panni della rockstar americana e della spietata performance di Tom Hanks nel ruolo di Tom Parker, il deus ex-machina dietro la brillante carriera di Elvis Presley. 

10 minuti di standing ovation ha accolto la prima proiezione a Cannes...
Da vedere, e soprattutto, da far vedere ai giovani, per mostrare senza veli cosa si nasconda dietro lo star system. 

MAGGIO- LUGLIO 2022

Marco Catenacci

Il campo di battaglia è lo stesso, a cambiare sono gli obiettivi: se le ambizioni de Lo chiamavano Jeeg Robot erano quelle di seminare per provare ad indicare, con una passione e una convinzione rare, un'altra possibile via per il cinema pop-autoriale italiano, con Freaks Out Gabriele Mainetti raccoglie e, a distanza di sei anni, rilancia coraggiosamente la sfida con la medesima, contagiosa, sfacciataggine. Quello dell'autore romano è infatti un cinema puntuale, pienamente (e finalmente) consapevole del tempo, un cinema che guarda in alt(r)o, che si rifiuta categoricamente di restare indietro o di finire imprigionato all'interno di anacronistici confini territoriali, senza tuttavia abbandonare le specificità storiche, culturali e linguistiche del (cinema del) proprio Paese; un cinema, insomma, che è allo stesso tempo orgogliosamente universale e provinciale, e che trova, in questa brillante sintesi, una forza espressiva unica. Mainetti allora non guarda al cinema hollywoodiano con la sterile ingenuità del Salvatores de Il ragazzo invisibile, e neppure cerca quel cinema giovane e al passo con i tempi del Matteo Rovere di Veloce come il vento o la seriosa autorialità de Il primo re ; se oltreoceano bisogna guardare, è bene farlo mantenendo intatta la fiera consapevolezza della propria storia e del proprio passato, l'amore per il proprio cinema, per il proprio dialetto, per la propria città.

In un film come Freaks Out, produttivamente molto più impegnativo de Lo chiamavano Jeeg Robot, a colpire in prima battuta è proprio la piena coscienza estetica del tempo. Se del neorealismo di Roma città aperta viene semplicemente evocato il contesto narrativo, quasi a voler rivendicare fin da subito quell'orgogliosa territorialità di cui sopra, allo stesso tempo il linguaggio dei supereroi e gli altri (molti) modelli chiamati in causa non sono mai relegati a materia estranea o a semplice tentativo di imitazione, ma anzi, vengono padroneggiati da Mainetti con assoluta maestria e senso del presente. Nei protagonisti scalcagnati del Circo Mezzapiotta insomma, l'instabilità comica delle tante armate Brancaleone della commedia all'italiana, la malinconia dei freak di Tim Burton e la plasticità fumettistica degli X-Men trovano un mirabile ed insperato punto d'incontro, così come nel nazista interpretato da Franz Rogowski si sposano alla perfezione i tratti tipici del mad doctor (anche videoludico: Wolfenstein) e i superpoteri di un tormentato antagonista da cinecomic. Ed è proprio grazie ai poteri di preveggenza di quest'ultimo che il film finisce per abbracciare il presente non solo a livello estetico, ma pure nella sua immediatezza narrativa , riuscendo peraltro a trasmettere, nelle sequenze circensi, tutto l'amore per l'intrattenimento e per lo spettacolo promessi da Israel nel bellissimo incipit.

Freaks Out è insomma un'opera finalmente consapevole, competitiva e pienamente al passo coi tempi. Immediato e superficiale quanto un numero da circo, è un film che cerca una meraviglia semplice e genuina anche mentre il mondo al di fuori del tendone cade letteralmente in mille pezzi (ancora sul prologo, la presentazione muta dei personaggi, lo squarcio del tendone, l'orrore della guerra che rompe bruscamente l'incanto); e ancora, è un film che inserisce dichiaratamente lo sguardo (maturo e bulimico) dello spettatore contemporaneo nel proprio discorso, chiedendo non tanto la sua banale attenzione, quanto piuttosto la sua partecipazione, il suo coinvolgimento totale.

CANONE INVERSO
di RICKY TOGNAZZI  Italia 2000

tratto dall'omonimo romanzo del 1996 di Paolo Maurensig 

Un antico violino fa da filo conduttore delle storie di Jeno Varga, delsuo aico/fratello  David Blau, della pianista Sophie Levi e di Costanza, nata dall'amore tra Jeno e Sophie. Dal romanzo (1996) di Paolo Maurensig, liberamente adattato dal regista con Simona Izzo e Graziano Diana, un film articolato su 3 livelli narrativi e su diversi piani temporali in un arco che va dagli anni '30 ai giorni nostri. Da un copione che privilegia e accentua la struttura romanzesca del romanzo, ricca di agnizioni e colpi di scena, Ricky Tognazzi tenta, e spesso i riesce, di trovare le immagini corrispondenti al fascino quasi mistico che la musica ha nelle pagine di Maurensig. Le scene d'effetto e la scorrevolezza nei passaggi temporali evidenziano il mestiere narrativo e rendono il film quasi " migliore del romanzo, rispetto al qualeha il pregio di essere piu chiaro ed esempificativo. Le musiche, firmate da Ennio Moricon, hanno vinto il David di Donatello 

Un film di immagini e suggestioni, di cui ho apprezzato la malinconia dell'abbandono, la tragedia dell'olocausto, poco appariscente ma non in secondo piano, e soprattuto, l'amore per la musica, che trionfa su ogni altra tematica. E sulle note di uno pseudo Canone inverso ( che nella reltà dovrebbe movimenti musicali diversi   ndr), riusciamo ad abbandonarci alla drammativa poesia del film, immersa in una tristezza infinita che vuole concederci , graze ai ricordi ritrovati, un'ultima speranza di vita.

Gli attori della vecchia guardia ( Byrne, Tognazi , Pappalardo ), tutti comprimari, molto piu credibili dei giovani protagnisti, che appaiono, sinceramente, poco convincnti.

                                                          ( s.tar )

HOTEL GAGARIN  
di SIMONE SPADA Italia 2019

Da commedia a fiaba

Nonostante nel film ci siano molti attori da commedia italiana, il film non lo è. Ha un gusto poco italiano, forse un po’ francese. Gli elementi del sogno e della fiaba appartengono poco al nostro cinema sempre più neo-neorealista che si occupa prevalentemente di periferie e di storie di violenza. Anche qui l’ambiente romano quotidiano è descritto come uno squallido milieu in una realtà ostile: la passione di Nicola (Giuseppe Battiston), professore di storia al ginnasio, viene presa in giro dai suoi alunni, Sergio (Luca Argentero) è un fotografo assalito dagli spacciatori a cui deve molti soldi per aver consumato troppe canne, Elio (Claudio Amendola) è un handyman conduce una vita mediocre senza particolari soddisfazioni e Anna (Silvia D’Amico) fa il mestiere di prostituta. Valeria (Barbora Bulova) a sua volta, è una faccendiera russa che organizza eventi (e truffe) ma non riesce più a ottenere soldi dai suoi clienti.

La vicenda, nata come un imbroglio per utilizzare i fondi europei, vede al centro un film da girare in Armenia. Franco Paradiso (Tommaso Ragno) è un improvvisato produttore truffaldino – dell’inesistente Tindaro film - che riesce a spedire cinque squattrinati in Armenia a girare un film che mai si farà perché lui stesso ne incasserà il finanziamento prima di scappare. La trama del film di Nicola parla di una ragazza a cavallo alla ricerca delle sue matrici, più di questo non si saprà. Con un van guidato da Kira (Caterina Shulha), una punk incinta che fuma sempre e piena di piercing, raggiungeranno la loro destinazione.

Alloggiati dell’isolato Hotel Gagarin, un edificio fine-Ottocento/primo-Novecento, circondato da boschi e spianate di neve (evoca, pur nella differenza, il “Grand Budapest Hotel” di Wes Anderson del 2014) i nostri eroi si troveranno invischiati in un conflitto che non gli permette più né di partire né di lasciare l’albergo. Le riprese non inizieranno mai, ma gli abitanti del villaggio più vicino sono attratti dalla notizia dell’allestimento di un set. Arrivano in tanti ognuno con un proprio sogno. Così passando dal registro della commedia a quello della fiaba surreale, i cinque personaggi si metteranno al lavoro per esaudire i desideri di ognuno e dare un senso al loro essere lì: ciò costituirà un’inattesa revanche creativa. «Se vuoi essere felice comincia!» dice Tolstoi, citato da Nicola.

Nascono e si sviluppano in questo contesto un po’ di prigionia, un paio di relazioni amorose e si consolidano le amicizie e gli affetti. Ci sarà posto pure per Virgil, l’angelo che gioca a scacchi per una apparizione di Philippe Leroy.

Il film è garbato e ironico, poetico e surreale, trasmette momenti di tenerezza pur confezionando le caricature dei personaggi, scelti e addobbati con attenzione.

Simone Spada ha scritto la sceneggiatura con Lorenzo Rossi Espagnet, aveva già lavorato come aiuto-regista con registi Gabriele Mainetti (“Lo chiamavano Jeeg Robot”), Claudio Caligari (“Non essere cattivo”) e Gennaro Nunziante (“Che bella giornata”).

Due cose mi sono piaciute molto nel film. I quadri nei titoli di coda dipinti con delicatezza dove vengono mostrate le realizzazioni dei sogni dei contadini armeni: i due cow-boys, il bambino cavaliere, la ginnasta,  l’uomo a New York, l’Humprey Bogart, l’astronauta, il calciatore…tutte cose che gli abitanti del villaggio più vicino vorrebbero fossero esaudite. L’altra cosa che mi ha colpito è lo sguardo maturo del regista esordiente rispetto al paesaggio e della vista di Erevan, una città così diversa dalle nostre per dimensioni, epoche e clima. Ma attraverso la telecamera di Spada (e della fotografia di Maurizio Calvesi piene di riverberi e sfumature) le architetture – perfino quelle sovietiche di industrializzazione pesante – hanno il loro fascino.
      VANESSA ZARASTRO